Common Forms

Exhibición Colectiva curada por Owen Duffy

09.06.2018 — 11.06.2018

Esta exhibición es un carta de amor a la forma común, un tipo de abstracción contemporánea relacionada con los movimientos utópicos del modernismo. A principios del siglo XX, modernistas como Joaquín Torres García y Luis Barragán persiguieron geometrías que eran, supuestamente, universales. Accesibles y aplicables a todo, estas formas podrían, quijotescamente, cambiar el mundo y unir individuos. Hoy, esta exposición intercambia el idealismo de lo “universal” por lo profano de lo “común”, constelando obras de arte que nos dan el espacio para imaginar nuevas maneras de estar juntos.

 

¿Qué significa perseguir una trayectoria utópica, hoy? Mientras aspiraban a lo universal, los proyectos modernistas de principios del siglo XX estaban a menudo, y de modo contradictorio, ligados a la construcción del nacionalismo. Las formas comunes en esta exposición ofrecen plenitud y un sentido de optimismo, contraponiéndose a la polarización y el conflicto. Durante un momento compartido de urgencia cultural y una época de desencanto con el mundo, la abstracción no se distanció del terreno de la política. Con esta creencia en mano, la presente exhibición reúne una estética que representa lo que existe más allá de las restricciones ordenadas bajo el rigor de los binomios identitarios: algo común.

 

Las obras en esta muestra argumentan a favor de la vitalidad sostenida de la abstracción, y el ser humano está implicado en la mayoría de las piezas. Después de ser miembro del colectivo de artistas socialmente comprometidos, Group Material, en las décadas de 1980 y 1990, y haber emprendido proyectos activistas entorno a la crisis del SIDA y a la intervención estadounidense en América Latina, Doug Ashford recurrió a la pintura abstracta. Una fotografía de 50,000 manifestantes pacifistas en Nueva York se convierte en la base de la composición Red Day [Día Rojo] 1966, que Ashford ha pintado en tonalidades de rojo, amarillo y azul para proponer nuevas maneras de representar este momento aspiracional de manifestación. Las figuras eléctricas y vaporosas de Alice Tippit, esquivan una definición clara y le hablan a un modernismo gráfico. Sus formas rígidamente representadas, aparentemente sin punto de referencia en el mundo, sugieren rastros de presencia humana: vemos la parte posterior de una boca o de un torso que parece desaparecer y volver a materializarse en la composición.

 

La pulcra escultura de Nevine Mahmoud realizada en mármol portugués, Forbidden Fruit [Fruto Prohibido], extiende las indagaciones de este exposición más allá de la pintura, evocando la forma reducida de la figura humana, así como una tensión entre la trascendencia y la inmanencia. Gabriel Rosas Alemán invita a los espectadores a mirar detenidamente sus pinturas al óleo sobre papel para considerar las sutilezas de estas creaciones. Describiendo las formas monocromáticas como “presencias” entrelazadas, él moldea un tipo de comunicación visual prelingüística universal.

 

Las abstracciones geométricas de Eamon Ore-Giron sobre lino crudo conducen a una “nostalgia por un modernismo global”, haciendo referencia a movimientos utópicos de principios del siglo XX como el Concretismo, el cual buscaba crear formas puras y universales de absoluta claridad. Las pirámides, círculos y su espacio negativo, se convierten en bloques de construcción para composiciones infinitamente configurables. En Two Visions [Dos Visiones], Heather Guertin persigue el óvalo como una forma infundida de apertura, civilidad y calma. Así, este conjunto de obras indaga continuamente la manera en que una forma sencilla puede convertirse en algo mayor: el vacío, un ser y un espacio para contemplar lo que tenemos en común.

 

Curaduría por Owen Duffy

 

Con obras de Doug Ashford, Heather Guertin, Nevine Mahmoud, Eamon Ore-Giron, y Gabriel Rosas Alemán.

 

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